La receta es bien conocida. Papaya, col y pepino. Zanahorias colgando, naranjas abiertas y lechuga podrida. Por momentos, un reloj de arena en un rincón, o incluso una inquietante calavera, recuerdan el triste destino del espectador que espera cada cuadro. La naturaleza muerta nunca se consideró un género importante a la par de la pintura histórica o religiosa, el paisaje o el retrato. Sin embargo, la simple disposición de estos elementos banales, como frutas, verduras, flores, instrumentos musicales y objetos domésticos, sobre el lienzo sigue cautivando muchos siglos después. Cada naturaleza muerta encierra un misterio, una sombra de melancolía que provoca una leve punzada en el corazón. «Verdad antropológica», prefiere apuntar al historiador del arte Laurence Bertrand Dorléac, comisario de la exposición Cosas. The History of Still Life, disponible en el Museo del Louvre de París hasta el 23 de enero de 2023.
«Bodegón con sandías y manzanas en un paisaje» (1771) de Luis Egidio Meléndez.Museo Nacional del Prado
“Still Life”, imágenes de bodegones en video del artista británico Sam Taylor-Johnson.Sam Taylor Johnson
«Los cinco sentidos y los cuatro elementos» (1627) de Jacques Linard Jacques.Mateo Labo/RMN-GP
«Seis conchas sobre una mesa de piedra» (1696) de AS Coorte.Marina Real/ Gran Palacio
«Bodegón con verduras» (1610) del pintor flamenco Frans Snyders.FotoWolfgang Pankoke (Staatliche Kunsthalle Karlsruhe)
«La deserte» (1640) de Jan Davidsz de Heem.
El limón de Manet (1880).Patrice Schmidt/RMN-GP
«El blues de la tarde» (1913), Giorgio de Chirico.Jean-Claude Planchet / RMN-GP
«Natura morta» (1944) de Giorgio Morandi.Bertrand Prevost / RMN-GP
‘Grisaille à l’espadon’ (2022) de Miquel Barceló.David Bonet / ADAGP, París, 2022
‘Primer día de cuarentena. Brooklyn, Nueva York» (2020) de Nan Goldin.Galería Nan Goldin / Marian Goodman
Ante la prohibición protestante reformada de imágenes de temática religiosa, la exposición se opone a la definición tradicional de naturaleza muerta, que surgió en el arte flamenco y holandés a lo largo del siglo XVII. Esto hizo que muchos pintores se refugiaran en escenas de género y viñetas cotidianas para satisfacer los gustos de una nueva burguesía que comenzaba a reemplazar al estado y la iglesia como mecenas de las artes. El formato se ganó el nombre de stilleven (o vida tranquila, silenciosa), término que ha sido «mal traducido» en los países católicos como naturaleza muerta, prefiriendo, como señalan los curadores, llamarse pinturas de objetos o cosas, otro nombre que es prosaico pero también más preciso.
Las traducciones imperfectas y las contradicciones resultantes han dado lugar a ciertos malentendidos sobre las características del género. De hecho, los objetos inertes de estas pinturas están muy vivos. A pesar de su apariencia mundana, aportan información esencial sobre cada época, sobre las creencias, deseos y miedos de sus dueños, sobre las diferencias culturales y las diferentes actitudes de hombres y mujeres ante dilemas existenciales. El director del Louvre, Laurence des Cars, dijo en El catálogo de las cosas: «Si el género despierta tanto interés es porque no degenera en una meditación morbosa sobre nuestra desaparición, sino que suele ser una oda fundamental a la vida». El título proviene de la novela de Georges Perec, A Keen X-Ray of Consumer Society.
Bodegón con frutas y verduras (c.1602) de Juan Sánchez Cotán, préstamo español de la exposición del Louvre.serie albero
El tema del espectáculo, como el de los escritores, es que las cosas transmitan pensamiento y emoción, trascendiendo las perezosas asociaciones del género con el paso del tiempo y la muerte despiadada. Las ambiciones del Louvre también incluyen expandir los límites geográficos y temporales que definieron el género: existió no solo en la Europa del Renacimiento y el Barroco, sino en todo el mundo y en todas las épocas. En 1952, otra exposición sobre la historia de la pintura de bodegones en el Orangery dejó claro que la pintura de bodegones existía desde la antigua Grecia. Esta exposición va un paso más allá: a través de 170 obras de diversas épocas, el Louvre sostiene que las pinturas de bodegones surgieron en las cuevas del Neolítico y luego se extendieron a las culturas egipcia y mesopotámica, los grabados y mosaicos expuestos en las salas del museo es un testimonio. El género no desapareció tras su momento glorioso, sino que sobrevivió a través de disciplinas como el cine, el video y la fotografía, como lo demuestra el trabajo final de la gira: El primer día de confinamiento de Nan Goldin Arreglo floral en el restaurante 2020.
Las combinaciones son inesperadas y emocionantes: Penitent Magdalene a la luz de las velas de Georges de La Tour con fotografías de Christian Boltanski; las vanitas barrocas de Gerhard Richter y otro formato de vídeo de Sam Taylor-Johnson donde la fruta se estropea en tiempo real. O el lienzo del siglo XVI de dos recaudadores de impuestos de Marinus van Reymerswaele, con el autorretrato de Esther Ferrer vomitando euros en plena entrada en vigor de la moneda única en 2002. El Louvre se enfrenta a otro cliché inmaculado: el hombre que consiguió que los bodegones desaparecieran de la pintura durante los mil años que duró la Edad Media. Replicó que, pensándolo bien, parecía salir de la caja: los objetos de la vida doméstica no desaparecieron de la pintura, aunque siempre sirvieron a la alegoría religiosa. Desde el siglo XVI, han resurgido como recordatorios de la comodidad de la vida, no tan alejados de la moral cristiana como se suele decir: atesorar toda esta riqueza material no sirve de nada a menos que uno quiera morir como el hombre más rico del mundo. . cementerio.
El Louvre se rebela contra el cliché de que la naturaleza muerta desapareció en el milenio que duró la Edad Media. El género sobrevivió, aunque por alegoría religiosa.
Con el advenimiento del mercado, esta crítica a la acumulación tiene una lectura política, enfatizada por el Museo de París con una cita de Marx, quien siempre fue muy consciente de que los objetos eran fetiches tallados en las paredes. «Esta no es una exposición antimaterialista. La relación del artista con el objeto es ambivalente, y hay tantas críticas como conjuros», cita el comisario retratos tan gélidos de la posguerra occidental tan ricos en pinturas holandesas como El mercado de pescado o Los lienzos de Erró.
Una habitación a oscuras reúne a Goya, Rembrandt y Zurbarán, representando puñados de animales muertos. A la izquierda, Géricault los enfrenta con una pintura que representa los miembros mutilados de un cadáver humano, asimilado a un mamífero despedazado en una carnicería. ¿Valen la pena las vidas de los demás? «La obra de Goya y Gericot nació durante las Guerras Napoleónicas, un conflicto masivo en el que por primera vez el hombre se convirtió en un objeto. Para mí, el arte no entró en la Edad Moderna con Manet, sino con estos dos pintores que reflejaron la miseria. de la sociedad civil entren en la era moderna», señala Bertrand Dolec.
Bodegón con costillas y cabeza de cordero de Goya (1808-12), y Estudio para un brazo roto y una pierna rota de Géricault (1818-19).RMN – Museo del Louvre
La naturaleza muerta fue revivida más tarde en los impresionistas, convirtiéndola en un símbolo de paz y serenidad en una era de industrialización desenfrenada, como los espárragos de Manet o las peras provenzales de Cézanne, mientras que el arte de vanguardia acentúa la tez cenicienta del lugar Amablemente, como si fuera era un presagio de que algo terrible iba a suceder. Alcachofas de De Chirico, magníficas pinturas de luz de Picasso, o innovadoras variantes del género de Miró, cuyas exposiciones incluyen Arte moderno Un bodegón casi loco de 1937 cedido por el Museo (MoMA). Basándose en una tesis desarrollada por el Museo de Nueva York hace años, los curadores también incluyeron readymades de Duchamp, como urinarios o portabotellas, en esta nueva taxonomía de naturalezas muertas. También hay algunas obras más sorprendentes que hasta ahora nadie ha conectado con el género, como la habitación de Van Gogh en Arles, la crítica satírica del mobiliario moderno de Jacques Tati, la remodelación de la cocina de Martha Roesler Made of Bazooka brand chicle de Félix González-Torres para imágenes en Orange Is the New Black o instalación. A pesar de sus herejías en la naturaleza muerta clásica, todas se basan en la dimensión simbólica de los objetos cotidianos.
La gira concluye con un segmento de Zabriskie Point de Michelangelo Antonioni: una explosión gigantesca en la imaginación de la protagonista, y Pink Floyd destruye todas las posesiones de la mansión en la que vive. Y, junto a ellos, la imagen del frigorífico se llena hasta los topes de los sueños que la sociedad de consumo nos obliga a soñar.
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