PeriodistasdeGenero inició en marzo una serie de artículos destinados a rescatar del vasto contenido de las plataformas cinematográficas la enorme reserva de grandes películas ocultas, que no suele ser lo que ofrece el algoritmo a la primera de cambio. Y, después de ofrecer 10 títulos de todas las plataformas principales, Target está de regreso en Netflix y continúa investigando sus programas más ocultos. Nuevamente, lo que se encuentra son joyas, sorpresas y algunas pruebas necesarias.
Un hombre parado en el camino (1953), de Carol Reed.
Cuatro años después de The Third Man, Reid volvió a un espacio, situación, tono y subtexto similares: después de la Segunda Guerra Mundial, una ciudad dividida, en este caso, Berlín, una escena de espionaje, pistas de cine negro, ambigüedad. La individualidad y variedad de raquetas en los bloques occidental y oriental. Los característicos planos inclinados de Reed incomodan al espectador, ya experimentado en «La noche es larga» y «El tercer hombre», y encuentran su cénit en el espectáculo del secuestro de la heroína, como hizo Joseph Cotton en Los personajes de la obra maestra con Viena como escenario. están igual de perdidos. Mientras tanto, el eje siniestro de Orson Welles es ejecutado esta vez por James Mason. No es en tercera persona, y no es justo preguntar, pero la deslumbrante visión nocturna y nevada de una ciudad aún en ruinas bien vale la pena restaurarla o descubrirla para una película menos conocida.
Therese Raquin (1953), Marcel Carné.
Carné cambia el escenario de la novela original de Émile Zola desde la segunda mitad del siglo XIX hasta la actualidad de la década de 1950, y al describir la vida gris y melancólica de una mujer que se casa con un primo frágil y empobrecido, no se queda atrás. perdiendo un ápice de conmoción, encuentra una chispa de pasión que nunca tuvo en los groseros camioneros que visitan su tienda de telas. El encanto infinito de Simone Signoret y Raf Vallone, el traductor de los amantes, los ojos desorbitados, la calidez de sus gestos, los habitantes de una sociedad atrasada y arruinada. Una pasión de amor que termina en crimen y luego en remordimiento. Y el tormento interior de dos personas destinadas a la autodestrucción. Contra el naturalismo y el psicologismo del escritor, Carney apuesta por el suspenso, la policía y el sentimentalismo. El ser humano y la bestia descritos por Zola se dan la mano con el aura poética de Carne.
Nora Darling (1986), dirigida por Spike Lee.
Tomando New Wave y New Hollywood como referencias oficiales, en particular Who’s Knocking at My Door de Martin Scorsese, mientras trae esas esencias a su propio territorio, Spike Lee adopta un enfoque liberado para el largometraje. Debuta un elegante retrato de mujer: Nola Darling en la novela. Tiene tres amantes, cada cual más mezquino y posesivo, a pesar de ser adúlteros. Por supuesto, tiene control sobre todos, marcando territorio en cenas climáticas en la comunidad sexual y emocional, comenzando con programas dirigidos por afroamericanos. En él, desde la perspectiva del personaje principal, el avión se precipita hacia abajo, la cámara está por encima de su vista; mientras que la de ellos, en un ángulo bajo, palidece en comparación con la situación y la niña. Precioso blanco y negro, tono cómico y sorprendentes explosiones de color en las secuencias musicales. En 2017, el propio Lee convirtió a su heroína feminista en un drama más convencional.
Los padrinos de Tokio (2003), de Toshi Kon.
Kon, un maestro de la animación cuyas películas son tan inspiradoras e influyentes como Perfect Blue y Paprika, creó una variación inusual de Los tres padrinos del oeste de John Ford. En él, los ladrones occidentales que tienen que llevar a un huérfano a través del desierto son reemplazados por tres vagabundos sin hogar que recorren la ciudad en busca de los padres de un bebé abandonado en la basura. El retrato de un triángulo de personajes: un alcohólico cascarrabias, un travesti extrovertido y una adolescente perdida, expuestos a través de flashbacks que explican cómo terminaron en la calle y en esa situación de desamparo, es hermoso. Y, junto con el diseño agrio, festivo y desinhibido de la hermosa noche de la ciudad, el tono crudo de la película (para adultos) alcanza a Seducción. Comedia negra brutal, tintes de crítica social y conmovedor drama personal.
Joe Kidd (1972) de John Sturges.
Una película repleta de celebridades. Sturgis, el director de «Battle Royale» y «The Silent Conspiracy», es uno de los grandes del cine occidental. Elmore Leonard, guionista independiente y aclamado novelista, cuyo diálogo de una sola oración ofrece una toma sencilla en cada secuencia: «Parpadea y se te caerán los ojos». Lalo Schifrin, compositor. Robert Duvall, el villano aterrador. Por supuesto, Clint Eastwood es el protagonista y productor, a través de su compañía Malpaso, creada hace cinco años. El personaje de Luis Chama se inspiró en el líder revolucionario de Texas de la década de 1960, Reies López Tijerina (siglo XX, no en un entorno occidental del siglo XIX, eso sí) que irrumpió en un juzgado de Nuevo México en 1967 y tomó rehenes y exigió que la tierra que fue confiscada en el pasado sea devuelto a las familias mexicanas. Muy similar a lo que sucedió en la historia de Leonard que filmó Sturges.
La chica de los fósforos (1928) de Jean Renoir.
Esta producción puede ser una joya escondida, ya que es un mediometraje de 32 minutos que rara vez se ve excepto en canales de proyección más especializados. Todavía en el período mudo de Renoir, The Fire Girl, codirigida por Jean Tedesco, es una adaptación libre del cuento de hadas de Hans Christian Andersen sobre la soledad y las penurias de una joven entre las noches frías y la nieve. Cada toma es hermosa, casi no hay subtítulos, y con la expresividad de la actriz Catherine Hesling, con ojos encantadores y la esposa de Renoir en ese momento, y las representaciones teatrales, la película es, sobre todo, en su forma única de ensueño. Renoir visualizó las alucinaciones de la joven y silenció al público con una serie de efectos especiales, trucos y superposiciones artesanales.
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Vida familiar (1971), de Ken Loach.
En 1967, un joven de 29 años, entonces acreditado como Kenneth Loach, hizo una impresionante película para televisión para la BBC llamada In Two Minds. En tono casi documental, trata los problemas psiquiátricos de una joven, a partir de una disertación del psiquiatra escocés RD Laing, entonces de moda y rayana en la antipsiquiatría: la esquizofrenia y un entorno familiar propicio para su aparición contacto. Cuatro años más tarde, hizo una nueva versión para el teatro, con una narrativa más convencional que elude un poco el tema final, pero igualmente muestra el ambiente opresivo en el que se encuentra la niña. La religión, la presión de los padres para abortar a la niña mientras estaba embarazada, el empeoramiento de sus problemas, la terapia de electroshock y un refugio. De la prisión de los malos, a la prisión médica. Impactante.
Rendirse a la noche (1956), de J. Lee Thompson.
Antes de dirigirse a Hollywood para dirigir Cape Fear, algunas secuelas de la primera serie El planeta de los simios y una carrera en la filmación del spin-off de venganza a medida de Charles Bronson, Lee Thompson creó un puñado de largometrajes en su Inglaterra natal. película dinámica de bajo presupuesto con estilo de dirección. El primer minuto de Yield to the Night, en la secuencia de créditos, ya te tiene pegado al sofá gracias a la variedad de ángulos de cámara, la perspectiva cautivadora y la intensidad de cada toma: una mujer en Diana Doss (Diana Dors) con la rubia en medio de la calle. A partir de ahí, se añaden elementos de cine negro en flashbacks, en el presente de la historia, al mostrar sus días en el corredor de la muerte antes de su ejecución, un alegato innegociable contra la pena de muerte. En la portada de su álbum Singles de 1995, The Smiths colocó una expresiva imagen de Dors, pálida y sin maquillaje, en la prisión de la película.
Globo rojo (1956), Albert Lamorisse.
La strada de Federico Fellini y Tullio Pinelli y la comedia de William Rose en los Premios de la Academia de 1958 «El quinteto de la muerte» es la favorita al mejor guión original. Sin embargo, el tercer contendiente sorprende en un hito insólito, ya que se trata de una película medianamente larga, de poco más de media hora, sin apenas sonido: El globo rojo, la historia histórica de La Morris, cuenta la historia de Una amistad entre seis Un niño de dos años encuentra un globo gigante en medio de la calle. Pascal, el hijo del director, recorre las calles de París en otoño con una inocencia infantil, dispuesto a todo por su bebé. Y, si profundizas un poco más en la historia, puedes captar incluso la alegoría cristiana del Calvario, la muerte y resurrección de Cristo.
La última tentación de Cristo (1988), Martin Scorsese.
Ha pasado suficiente tiempo desde el polémico estreno, y tal vez sea hora de que la película de Scorsese reclame las alturas de lo que se dice que es la década menor de los 80. El guionista Paul Schrader, que ha tenido afición por la teología y el simbolismo cristiano a lo largo de su carrera (con Scorsese y sin él), tuvo la oportunidad de explicar su subtexto habitual en esta adaptación de la novela Kazantzakis de Nikos. Culpa, redención y, por supuesto, tentación. La dualidad de la figura de Cristo se despliega en profundidad para marcar la comprensible incredulidad de un hombre que, a pesar de su condición divina, es también hombre en toda su extensión. Y ese maravilloso elenco, Willem Dafoe como Jesús, Barbara Hershey como María Magdalena, Harvey Keitel como Judas, incluso David Bowie como Poncio Pilatos.
